La técnica Balanchine, también conocida como método Balanchine, es un estilo de interpretación del ballet inventado por el célebre bailarín, coreógrafo y profesor George Balanchine (1904-1983). Se ha convertido en una marca registrada de la Fundación George Balanchine y se utiliza ampliamente en muchas de las obras coreográficas de Balanchine. He aquí algunas características clave de la técnica Balanchine:

Estilo neoclásico: La coreografía de Balanchine mezcla elementos de la técnica tradicional del ballet con movimientos modernos y abstractos. Su estilo enfatiza las líneas fuertes, las formas angulosas y los contrastes dinámicos, creando un enfoque único e innovador del ballet.

Velocidad y musicalidad: El entrenamiento en la técnica Balanchine permite a los bailarines utilizar más espacio en menos tiempo. Los bailarines se centran en la velocidad extrema, el plié profundo (flexión de las rodillas) y una musicalidad sincopada. La coreografía de Balanchine suele alinear el movimiento con la música, creando una conexión armoniosa entre la danza y el sonido.

Colocación poco convencional de brazos y manos: El enfoque de Balanchine sobre la posición de brazos y manos es poco convencional y asimétrico. Los bailarines aprenden a crear formas abstractas con los brazos, añadiendo interés visual y expresividad a sus movimientos.

Línea distintiva del arabesque: El arabesque de Balanchine se describe como «más largo, más fuerte y más grande». Se anima a los bailarines a «alcanzar los diamantes» en ambas direcciones, alargando los brazos y creando una línea visualmente impactante.

Calidad de danza atlética: La coreografía de Balanchine exige atletismo y precisión. Los bailarines actúan con energía, claridad y excelencia técnica, mostrando sus habilidades físicas.

El legado de Balanchine se extiende más allá de su coreografía; también fundó la Escuela de Ballet Americano de Nueva York, donde se desarrolló por primera vez la técnica Balanchine. Aunque nunca creó un «diccionario» formal de su técnica, su impacto en el mundo del ballet sigue siendo profundo.

Bob Fosse creó todo un repertorio estilístico de movimiento. Fosse murió hace muchos años, pero su estilo sigue siendo emulado, enseñado y representado en todo el mundo, especialmente en Estados Unidos. La reposición del musical Chicago, coreografiado por Ann Reinking, devota de Fosse, sigue representándose en Broadway, así que está claro que la obra de Fosse sigue inspirando.

Fosse no codificó una técnica para formar bailarines, pero su estilo sirve de base esencial para estudiantes de todas las disciplinas; el estilo fluido de Fosse y su atención al detalle tienen un valor incalculable. Se sabe que Fosse llamaba «actores» a sus bailarines, recalcando que su trabajo principal es comunicar una historia, ya que todo lo que hacía tenía un lado emocional, mental y ético. Los bailarines que formó son artistas completos gracias a su profundo conocimiento de la interpretación. Cada paso tiene una intención y, para transmitirla, el bailarín debe sacar a relucir todos los aspectos del personaje.

El estilo Fosse de jazz anima a los bailarines a comprometerse emocionalmente con el movimiento, y también ayuda a desarrollar habilidades de conjunto que son esenciales en cualquier disciplina de danza. Además de que los bailarines trabajen juntos como un grupo, la atención al detalle es primordial. La intrincada naturaleza de las coreografías de Fosse permite transmitir muchas cosas con la sutileza de un simple movimiento de dedos o una mirada de reojo. El estilo requiere una gran ética de trabajo porque gran parte de la obra se basa en intrincados aislamientos, por lo que los bailarines desarrollan de forma natural una mayor conciencia y concentración corporales.

Se trata de expresar emociones a través de movimientos orgánicos y líneas sin restricciones. Es una fusión de varias técnicas, incluidos elementos del jazz lírico, el ballet y la danza moderna.

La danza contemporánea es una forma de expresión artística y espectáculo cautivadora que desafía los límites. Tiene una rica historia que se entrelaza en gran medida con la evolución del ballet y la danza moderna.

Los orígenes de la danza contemporánea

La danza contemporánea surgió de la rebelión de los bailarines modernos contra las limitaciones del ballet clásico. Estos artistas querían liberarse de las rígidas estructuras del ballet y abrazar la individualidad, la emoción y la creatividad.

El baile de teatro musical y Broadway es un tipo de baile utilizado en secuencias coreografiadas para producciones de teatro musical. Se inspira en varios estilos, entre ellos:

Ballet: el ballet sigue siendo el núcleo de la danza del teatro musical. El equilibrio, la fuerza y la técnica que se aprenden en el ballet proporcionan una base sólida a los intérpretes. Algunos musicales siguen representando ballet, y las reposiciones suelen incluirlo.

El jazz: La danza jazz, al igual que la música jazz, se originó en la cultura negra estadounidense y llegó a los escenarios del vodevil a principios del siglo XX. En el teatro musical, la danza jazz combina elementos de ritmo, síncopa y movimiento expresivo.

Hip-Hop: La danza hip-hop, influida por la cultura callejera y urbana, también se ha introducido en el teatro musical. Aporta energía, atletismo y un toque contemporáneo a las representaciones.

En general, los bailarines de teatro musical no sólo dominan estos estilos, sino que también dan prioridad a la interpretación actoral y musical. Dan vida a los personajes a través del movimiento, combinando a la perfección la danza con la narración en el escenario de Broadway.

El cabaret nació probablemente en Francia en la década de 1880 como un pequeño club en el que el público se agrupaba alrededor de una plataforma. Al principio, el espectáculo consistía en una serie de números de aficionados unidos por un maestro de ceremonias; su humor grosero solía ir dirigido contra las convenciones de la sociedad burguesa. El programa típico, que floreció por primera vez en el barrio parisino de Montmartre en el pequeño Chat Noir en 1881, incluía recitales de poesía, juegos de sombras, canciones y sketches cómicos. El principal exponente del cabaret francés fue el Moulin Rouge de París, fundado en 1889 como salón de baile, que ofrecía un espectáculo de cabaret en el que se representó por primera vez el cancán y en el que aparecieron más tarde muchas de las principales estrellas de las variedades y el music-hall.

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